Publicat de Gabe Moura, pe 3 iunie 2014

Ceea ce diferențiază cu adevărat filmele de piese este modul în care cineastii manipulează câmpul vizual al publicului. În teatru, publicul se află într-un „film larg”, uitându-se mereu la întreaga scenă și la toți actorii de pe ea. Sunt liberi să privească oriunde doresc. Cu toate acestea, în cinematograf, regizorul direcționează ceea ce publicul vede și cum. În timp ce o fotografie lungă poate arăta o vedere vastă a Muntelui Everest, un prim plan extrem poate arăta disperarea tăcută a unui copil aflând că mama sa a murit. Aceste fotografii diferite alcătuiesc țesătura povestirii vizuale. Citește mai departe:

Fotografii largi/lungi
mare parte

Fotografiile lungi sunt folosite pentru a sublinia o locație amplă în jurul subiectului.

Fotografierea lungă și cea largă sunt termeni interschimbabili.

Acest cadru din Gone with the Wind (1939) subliniază tragedia războiului civil și numărul morților sale. Puteți găsi Scarlet O'Hara în imagine?

Fotografiile largi sunt capturate mai ușor cu lentile cu unghi larg *.

De dragul claritatii

Stabilirea Shot și Master Shot

Un stabilind împușcat și a maestrul împușcat nu sunt aceleași în sine. Dar au fost combinate sub aceeași subpoziție, deoarece cadrul și compoziția sunt de obicei aceleași pentru ambele.

O fotografie stabilă introduce o nouă locație - o biserică, o stradă de oraș, un acoperiș, o cameră de spital - dintr-un punct de vedere care permite publicului să vadă toate personajele relevante din spațiul filmic. O fotografie principală ar fi probabil înregistrată din aceeași poziție, cu același obiectiv, arătând și toate personajele. Diferența este durata. O fotografie principală înregistrează întreaga acțiune, o cursă completă din aceeași poziție a camerei. În acest fel, dacă o fotografie mai strânsă este uitată sau încurcată în timpul acoperirii, regizorul știe că editorul ei va avea suficient material pentru a arăta scena în întregime, trecând la imaginea principală. În cele mai multe filme, o fotografie stabilă va dura câteva secunde înainte ca editorul să treacă la fotografii medii și prim-planuri. Cu toate acestea, dacă, dintr-un motiv sau altul, regizorul decide că tăierile nu sunt suficient de bune, el poate folosi imaginea principală a unei scene pentru a arăta acțiunea de desfășurare, caz în care ar fi puține sau nici o tăieturi în acea scenă, care poate fi o stil plăcut.

Îi aud deja pe unii dintre voi care pun această întrebare. Există mai multe scopuri de ce poate fi cazul. Pentru început, o scenă fără tăieturi sau modificări păstrează vizualizarea fără distrageri, ceea ce poate fi excelent pentru scenele tensionate.

Ai văzut Hitchcocks ’Rope. Acest film este, în opinia mea, una dintre cele mai bune piese ale lui Hitchcock. În Rope, există două tăieturi evidente pe tot parcursul filmului. Celelalte tăieturi sunt ascunse în tranziții netede. Această tehnică face minuni pentru cele mai suspensive scene din film prin blocarea publicului la setările specifice ale camerei, ceea ce nu suntem obișnuiți, în calitate de observatori de filme.

Un alt motiv pentru această alegere sunt constrângerile bugetare. Dacă sunt planificate din timp, mai puține reduceri s-ar putea traduce în mai puține setări ale camerei, ceea ce s-ar putea traduce în mai puține zile de fotografie principală, ceea ce este uimitor pentru buget.

Sling Blade (1996, Billy Bob Thornton) îmi vine în minte. Acest film, care ar fi fost filmat pentru 1 milion de dolari (schimbare de buzunar pentru standardele de la Hollywood), folosește o mulțime de fotografii de lungă durată pentru a arăta acțiunea unei scene. Și dacă credeți că mai puține fotografii înseamnă un film slab, gândiți-vă din nou. Sling Blade a câștigat aproape 25 de milioane de dolari și a câștigat scenariul Oscar pentru Thornton.

Într-un sens, fotografiile de bază fac de obicei parte din terminologia cinematografiei, deoarece ar trebui să fie o practică standard pentru fiecare scenă nouă. Stabilirea fotografiilor, pe de altă parte, se referă mai mult la faza de editare a filmului, când editorul selectează un unghi rapid pentru a dezvălui locația.

De asemenea, rețineți că o fotografie stabilă nu înseamnă neapărat că vedem întregul corp al personajului. Practic, planul de stabilire afișează elementele necesare funcționării scenei.

O plimbare pe banda de memorie

În primii ani de cinema, cel mai obișnuit tip de filmare a fost filmul de lungă durată. În secolul al XIX-lea, când cinematograful era încă tânăr, nu existau realizatori; erau doar operatori de camere. Acești operatori erau interesați de peisaje și locații, deoarece asta dorea publicul - să fie transportați în altă parte și să vadă ceva nou. Camera (numită atunci cinamatographe) călătorea în țări îndepărtate și captura imagini exotice din întreaga lume. Prim-planurile erau rare.

Când impresarii (probabil primii cineaști) au decis să folosească cinematograful pentru a înregistra povești cu scenarii, stabilirea de fotografii a devenit obișnuită. S-au preferat stabilirea fotografiilor, deoarece camera ar înregistra scene cu un punct de vedere similar, așa cum au publicul de teatru în piese. În acele timpuri, gramatica filmului, care încorporează, printre altele, varietatea de editare și filmare, nu fusese încă dezvoltată.

Abia după ce D. W. Griffith a apărut, fotografiile medii, primele planuri și fotografiile inserate au fost înțelese și utilizate în mod eficient. D. W. Griffith a schimbat jocul, deoarece filmele sale abundă în varietate de fotografii, deoarece știa diferitele scopuri ale dimensiunilor fotografiilor.

Full Shot (FS)

O fotografie completă afișează personajul din cap până în picioare, fără a arăta o mare parte din împrejurimile sale (altfel ar fi considerat un film lung). Aceste fotografii au fost foarte populare la începutul cinematografiei înainte ca realizatorii să înțeleagă puterea fotografiilor medii și a prim-planurilor.

O fotografie completă distanțează personajul de privitor atât din punct de vedere fizic, cât și psihologic. Ei au o greutate emoțională mai mică și, prin urmare, nu sunt cea mai bună alegere în timpul scenelor emoționale.

Ori de câte ori regizorul dorește să transmită furia, frica sau bucuria cuiva, prim-planurile sunt mult mai eficiente. O lovitură completă ar fi mai potrivită în timpul intrării unui personaj sau în urmărirea piciorului, de exemplu.

Shot mediu (SM)

Fotografiile medii sunt cele mai frecvente tipuri de fotografii din filme. Afișând cea mai mare parte a corpului subiectului, fotografiile medii sunt la jumătatea distanței dintre fotografiile lungi și prim-planurile; cu toate acestea, autorii nu sunt de acord cu definiția. În timp ce unii scriitori spun că imaginea medie arată personajul de la puțin deasupra genunchilor până la vârful capului, alții afirmă că fotografiile medii merg doar la fel de jos ca puțin deasupra taliei. Indiferent de dezbaterea academică, un film mediu este, după toate definițiile, un mediu fericit între un plan complet și un prim plan. De asemenea, liniile directoare de compunere sugerează că liniile cadrului nu trebuie să taie actorii de pe articulații, astfel încât atât timp cât operatorii evită genunchii, taliile, coatele etc., încadrarea nu ar trebui să fie o problemă. Cu alte cuvinte, mergeți puțin mai sus sau mai jos cu cadrul pentru a evita articulațiile.

Planul mediu include, de asemenea, alte două tipuri de fotografii celebre: în două focuri, cu doi actori care se confruntă la fel direcția ecranului, si peste umăr împușcat, arătând o conversație în care actorii stau sau stau unul față de celălalt:

Pentru a înregistra fotografii medii, a obiectiv normal * ar trebui să fie suficient. Reglați distanța în consecință.

Close-Up (CU)

În fotografiile din prim-plan, subiectul ocupă cea mai mare parte a cadrului, permițând foarte puțină observare asupra mediului. Prim-planurile sunt mult mai dramatice decât fotografiile lungi sau medii. Acestea sunt preferate atunci când accentuează emoția cuiva:

Prim-plan extrem (ECU)

Adesea etichetate ca fotografii de detaliu, prim-planurile extreme fac exact asta: arată un mic detaliu care altfel ar fi ratat într-o lovitură de înfășurare.

Pentru prim-planuri și prim-planuri extreme, teleobiectiv * sunt mai potrivite.

Inserați fotografii

Introducerea fotografiilor nu se concentrează asupra oamenilor. Acestea sunt utilizate pentru a sublinia un obiect relevant, cum ar fi o scrisoare, un plic cu bani sau un pistol care altfel s-ar pierde în marea punere în scenă. Capturile de inserare sunt fotografii strânse în care obiectele umplu cea mai mare parte a cadrului. Chiar dacă inserțiile nu dezvăluie nimic nou, acestea sunt încă binevenite în timpul fazei de editare, deoarece netezesc tranzițiile între fotografii, servind adesea ca o fotografie neutră care permite o încălcare a Regula de 180 de grade.

Imagini de reacție

Pur și simplu, fotografiile de reacție sunt o secțiune - de obicei un prim plan - a unui actor care reacționează la scena principală, cum ar fi o conversație sau un eveniment, deși poate fi aproape orice., un rânjet sau orice alt gest care transmite o emoție.

Logica fotografiei de reacție este că reacția emoțională a actorului descris va muta povestea înainte sau îi va dezvălui trăsăturile.

Dinadins

Pe lângă scopul evident al prezentării diferitelor elemente ale punerii în scenă, dimensiunile fotografiilor sunt importante și pentru varietate. Dacă publicul ar privi întotdeauna, să zicem, o fotografie de aproape, s-ar putea plictisi de acel cadru neschimbat. Dar, deoarece dimensiunile fotografiilor sunt întotdeauna diferite într-o scenă, spectatorii au adesea ceva nou pe cadru de urmărit.

Cinematografii ar trebui să știe pe de rost cum relația dintre distanța focală (tipurile de obiective) și distanța dintre subiectul camerei afectează încadrarea și astfel creează diferitele dimensiuni de împușcare. Un adevărat cineast, în afară de înțelegerea acestor concepte tehnice de bază, trebuie să înțeleagă și emoția, scopul și sensul din spatele fiecărui tip de filmare.