Din când în când, veți da peste un articol care pune un caz în care ceva sau altul este luat în serios ca „formă de artă”.

Proiectarea jocurilor pe computer, fabricarea prăjiturilor, tapițeria - pe care o numiți, mai devreme sau mai târziu va fi acolo sus cu pictura Capelei Sixtine. Și cu cât procesul de producție este mai elaborat sau mai complicat, cu atât sunt mai serioase apelurile scriitorului care caută validare artistică. Și, uneori, articolul va ieși chiar imediat și îl va spune: „Acest lucru [introduceți lucrurile care sunt promovate ca eforturi artistice serioase] este artă. Este la fel de multă artă ca și picturile târzii ale lui Turner, care au fost odată respinse ca „spumă de săpun și văruire” de criticii de artă cu ochi de cocoș ai zilei. „Și dacă ești regretatul critic de artă care protestează, atunci ai putea la fel de bine fi trimis în curtea knackerului criticului de artă, deoarece ziua ta a trecut cu siguranță.

Scriitorii care scriu aceste apeluri cred, de obicei, că, pur și simplu prin repetarea afirmațiilor lor cu privire la cât de artizanat este cu dragoste lucrul lor particular, sau la cât de calificată este producția sa, au făcut un caz convingător - totul fără o pauză pentru a medita la întrebarea mai mare despre natura artei sau despre modul în care operează lumea artei sau chiar deranjându-se să vadă cum arată de fapt arta contemporană.

Ah, vom spune cu toții, după ce le-am citit cererile, că nu vrem să fim ca acei critici de artă batjocoriți, cu ochi de cocoș, toți destinați să fie dovediți greșit de istorie. De ce, dacă Michelangelo ar fi în viață astăzi, nu ar picta Capela Sixtină, ar fi decorat prăjituri fanteziste, tapițând mobilier de designer, proiectând jocuri pentru jucătorii de clasă mijlocie cu mai multă înțelegere (nu acele afacerile smashy-and-grabby, ci ceva aspru, minimal și artistic) - sau, așa cum se spunea adesea în anii 1980, realizând artă video. Și ar fi fost cu mult înaintea acelor critici care nu știau nimic, care odată l-au luat în râs pe Turner.

Spre surprinderea mea, a existat o astfel de piesă în The Guardian săptămâna trecută, scrisă de criticul de jocuri al ziarului și, în mod previzibil, a început cu o poveste care ilustrează modul în care arta nouă este adesea desconsiderată înainte de a fi considerată revoluționară de către o nouă generație de critici luminați.

De data aceasta, geniul neînțeles al lui Turner a fost cumpărat în prim plan, afirmând că istoria dovedise încă o dată criticii greșite. (De fapt, pentru înregistrare, Turner nu a fost atât de neînțeles. La 26 de ani a devenit cel mai tânăr membru cu drepturi depline al Academiei Regale, a depășit cel mai apropiat rival al său, polițist pentru aplauze și aprecieri și nu a avut niciodată nici cea mai mică problemă în a-și vinde picturile, de vreme ce era incredibil de priceput la piață, precum și orbitor de talentat și muncitor). Dar asta este până la urmă. Aceasta a fost o piesă scrisă pentru a ne spune că designerii de jocuri sunt artiști și că jocurile sunt artă și oricine batjocorește în acest sens este destinat coșului marcat „Divergențe irelevante ale unui hack de artă” sau coșului marcat „Brian Sewell”.

Piesa a aterizat pe spatele unei dezbateri grăbite de trei minute pe programul Today de la Radio 4, care a invitat criticul de artă Sarah Kent și dezvoltatorul de jocuri Alex Evans să dezbată meritele jocurilor pe computer. Înțelept, James Naughtie nu a pus întrebarea „dar este artă?” - pentru că el, tu și cu mine știm că orice are o formă materială și, în unele cazuri, o formă nematerială (Vidul lui Yves Klein, respirația lui Duchamp) -sticlă de parfum, Lights Going On and Off de Martin Creed) poate dobândi o semnificație culturală ca artă - și poate face acest lucru printr-un proces aproape alchimic de validare a lumii artei în care sincronizarea și moda joacă rolul lor crucial. Naughtie a întrebat pur și simplu dacă jocurile au „putere și integritate”. Au fost bune?

face

Kent, care este cu greu un expert în jocuri, dar care a fost un campion al artei contemporane dificile pentru cea mai mare parte a vieții sale, a cântărit spunând că dintre jocurile pe care le-a întâlnit cel mai mult erau niște gunoaie: toate whiz-bang și zgomot, concepute pentru a obține ești dependent ca un drog ilicit și fără nicio încercare de a reflecta ceva. Arta a fost vorba despre editare, a spus ea, iar aceste jocuri erau despre aruncarea tuturor pentru a oferi emoții ieftine. Arta, a spus ea, face mai mult decât atât.

Ei bine, lasă furia să plouă. Acest lucru l-a făcut pe criticul de jocuri din The Guardian într-adevăr foarte supărat și a fulminat împotriva „criticilor irelevanți”. Dar aici aș da vina pe scurtul format al dezbaterii și pe onestitatea cu care Kent a încercat să răspundă la întrebarea din experiența sa personală limitată în cele 50 de secunde alocate. Așa este natura unui ding-dong radio cu foc rapid.

Dincolo de aceasta, m-am întrebat dacă scriitorul de la The Guardian știa de fapt că arta digitală a existat aparent pentru totdeauna și că animația pe computer informează munca artiștilor contemporani de ani de zile și că jocurile fac de fapt deja parte din vocabularul vizual al multora artiști încrucișați care arătau lucrări în galerii.

Pentru că ceea ce nu a reușit să înțeleagă este un lucru fundamental în ceea ce numim artă: că nu mijlocul de expresie face ca ceva să fie artă, ci procesul de producție artistică. Un pisoar nu este artă, dar Fântâna lui Duchamp este. Și asta datorită modului complex în care munca a angajat și a provocat în mod direct lumea artistică din care Duchamp făcea deja parte și a pus o întrebare îndrăzneață și profundă despre natura artei care a reușit să reverbereze în deceniile trecute. Ca atare, Fountain, în modul său jucăuș și provocator, este la fel de mult o operă de filozofie ca și o operă de artă vizuală (ding - devine totul despre idee).

Mai mult, pentru că putem vorbi despre două lucruri diferite atunci când vorbim despre artă - primul, o definiție instituțională, ale cărei limite se schimbă într-adevăr, și cealaltă, care are un rezumat mai larg, despre ceea ce posedă o semnificație culturală - ne putem găsi adesea în o mizerie. Dacă simțim că ceva îi lipsește cachetul cultural pe care îl merită - cum ar fi jocurile - unii încearcă imediat să îl valideze în termeni de artă, nu doar ca ceva care posedă valoare culturală, ci acela care ar trebui acceptat de lumea artei. Și încearcă să facă acest lucru prin enumerarea unor criterii care nu mai țin greutate în lumea artei, cum ar fi cât de complex este realizat ceva, cât de iscusită este producția sa sau cât de frumos. Așa sunt confuziile și convoluțiile la care am ajuns după o sută de ani de modernism și înflorirea acestuia.

Astfel de întrebări, desigur, nu ar fi deranjat pe nimeni în zilele în care artiștii, înainte de Renaștere, erau considerați simpli meseriași. Și nimeni înainte ca cultul inovației să înceapă să domine, iar lumea occidentală a început să caute fiorul noului, fiecare generație adoptând o mini-revoluție în artele plastice.

Bănuiesc că, în cazul în care televiziunea ar fi fost inventată în secolul al XV-lea în loc de vopsea în ulei, tocmai în momentul în care s-a format prima dată noțiunea de geniu artistic, atunci televiziunea, desfășurată pe măsură ca instrument de propagandă bisericească, ar fi fost impregnată religiozitatea hokey cu care pictura și sculptura au fost investite de-a lungul anilor.

Sentimentele noastre despre arta occidentală sunt o mahmureală a ceea ce au fost odată pictura și sculptura în timpul Renașterii: să descrie momente din viața lui Hristos și întreaga panoplie de sfinți pentru a provoca sentimentul religios și ascultarea față de Dumnezeu. Renașterea a fost, întâmplător, atunci când artiștii au descoperit puterea artei clasice grecești, care a pus bazele unei noi viziuni umaniste în care omul l-a imitat pe Dumnezeu creând o mare artă.

Galeria a înlocuit în cele din urmă biserica, dar noțiunile noastre de artă au rămas în mare măsură respectând dubla funcție renascentistă a artei: lucrarea care îl venerează pe Dumnezeu - sau, în cele din urmă, o anumită calitate numinoasă -, dar îl invocă și pe artist ca pe Dumnezeu. Și chiar și atunci când, în anii 60, artiștii au scăpat de limitele galeriei, au luat în mare măsură noțiunea respectivă. Ca o răceală rea, a rămas pentru o eternitate aparentă, persistând în persoana artiștilor (de sex masculin) precum Joseph Beuys sau artistul terestru Robert Smithson, ambii, în diferite moduri, fiind încă mitologizați. Acesta este motivul pentru care se simte ca o apostazie să renunțe la unii artiști din canonul secolului al XX-lea. Arta nu a încetat niciodată să fie sinonimă cu religia și nici artistul cu Dumnezeu.

Să aspiri să fii luat în serios ca artist în activitatea de artă atunci când lucrezi pe piața de consum este un obiectiv confuz, pentru că nu abilitatea sau frumusețea sau istețimea uimitoare a ceea ce produci sunt singure, îl va propulsa în acea lume. În sine, aceste calități nu dețin prea multă monedă, ceea ce face foarte mulți oameni care apreciază aceste lucruri în artă foarte triste. Dar, de asemenea, repetarea faptului că arta este de fapt doar despre idee pare, de asemenea, puțin obosită, puțin moartă în picioare în aceste zile. Iar ideile inteligente sunt greu de redus în dramele de televiziune cu adevărat geniale, precum Breaking Bad. Mă îndoiesc cumva că creatorul său, Vince Gilligan, are un complex de inferioritate. Ce ar câștiga făcând un James Franco și arătând riscuri de Cindy Sherman într-o galerie albastră din New York? Nimic.

Deci, de ce să căutăm validarea de a fi numit artă? Opera lui Chris Marker, cineastul francez de avangardă care în viața ulterioară a creat o prezență online în lumea virtuală a Second Life și a realizat interviuri prin intermediul avatarului său de pisică, poate fi văzută în prezent la galeria Whitechapel. Dar filmele sale sunt cel mai bine văzute ca filme și nu ca opere de artă, care, atunci când sunt văzute în buclă pe măsură ce vă plimbați în și în afara galeriilor, își pierd tot sentimentul de putere și scop narativ. Pe scurt, lucrarea câștigă puțin fiind văzută ca artă și pierde destul de mult.

Așadar, sugerez oamenilor care doresc să vadă acest lucru, acela și celălalt drept artă, să se relaxeze.

Acest articol a apărut pentru prima dată în The Spectator pe 19 mai 2014.