Echilibrul cultural al puterii dintre Los Angeles și New York s-a mutat în Occident în ochii unui număr tot mai mare de artiști și pasionați cu o cunoaștere intimă a ambelor coaste. Întrebați orice pictor, compozitor, critic sau cunoscător care a fugit din mallificarea din Manhattan și a descoperit bogățiile din muzica clasică, operă și scene de artă vizuală din L.A. și veți auzi mărturia unui convertit.

este

Rareori, spre regretul meu, teatrul nostru local face parte din conversație. Los Angeles este incontestabil un oraș de teatru. Lucrări importante sunt lansate din etapele noastre înainte de a călători în țară. Orașul primește alegerea companiilor de turism. Locațiile mici, cum ar fi Teatrul Fountain și Compania de Teatru Echo, sunt mult peste greutățile lor. Totuși, lipsește ceva.

Care este ștampila distinctivă a L.A. teatru? Punându-mi această întrebare, răspunsul meu este asemănător cu ceea ce aș fi spus când m-am mutat la Los Angeles din New York acum 14 ani pentru a fi critic de teatru al The Times. Teatrul a rămas descentralizat, variabil în ceea ce privește calitatea și ambiția, și are mare nevoie de o conducere instituțională capabilă să satisfacă auto-considerația unui oraș care, mult timp din umbra New York-ului, a ajuns să se recunoască ca o metropolă globală.

O organizație joacă un rol disproporționat în averea teatrului L.A. Centrul de Teatru Group, care cuprinde Teatrul Ahmanson și Forumul Mark Taper de la centrul muzical din centrul orașului și Teatrul Kirk Douglas din Culver City, este la fel de dominant în prezența sa instituțională ca și Filarmonica din Los Angeles, cu excepția faptului că nimeni nu ar face zilele acestea comparația. Întrucât L.A. Phil a devenit cea mai importantă orchestră clasică din America cu programarea sa inovatoare, educația educațională și urmărirea devotată, CTG s-a străduit să se ridice din modul de supraviețuire, reușind cu ocazie strălucit, doar pentru a cădea din nou în timiditate și toropeală.

Am ajuns la The Times nu după mult timp în mandatul lui Michael Ritchie ca director artistic al Centrului de Teatru. Ritchie, care a preluat conducerea fondatorului Taper, Gordon Davidson, a avut un drum greu. În primul rând, el a trebuit să pătrundă în pantofii mari ai unui director artistic care a pus singur teatrul Los Angeles pe hartă cu producții de referință din „The Shadow Box”, „Zoot Suit”, „Children of a Lesser God”, „Twilight”: Los Angeles, 1992, „„ Îngeri în America ”și„ Ciclul Kentucky ”. Apoi, Ritchie a trebuit să se confrunte cu o recesiune devastatoare care a exacerbat doar tendințele patronatului cultural, care au pus un accent mai mare pe vânzările de bilete, deoarece donatorii și abonații au devenit elemente mai puțin fiabile ale planului de afaceri.

Revenirea economiei nu a readus CTG în vremurile bune. Inegalitatea economică a scos din clasa de mijloc din care provine grupul de abonați. Cu venituri care nu reușesc să țină pasul cu costul vieții, chiar și cei relativ bogați se întreabă dacă să se înscrie pentru un alt sezon de bagaje.

Accelerarea spiralei este disponibilitatea divertismentului la cerere, o opțiune deosebit de atrăgătoare în Los Angeles, unde ideea de a lupta împotriva traficului după muncă și de a plăti în exces pentru parcare ar putea transforma chiar și cel mai avid vultur de cultură într-un cartof de canapea. Odată cu scăderea îndelungată a finanțării educației artistice, milenarii și juniorii lor lipiți de ecran văd prea puțină valoare în urmarea pe urmele bunicilor care dețin abonamente. De ce să vă angajați la un pachet de spectacole incomplete atunci când cumpărați bilete individuale în ultimul moment, chiar dacă prețurile dinamice necesită o primă grea, vă permite să alegeți și să alegeți?

Ritchie are instincte ascuțite de showman. La cea mai bună programare, el combină valorile ridicate ale producției cu tariful demn de buzz. O mare parte din lucrare, cu toate acestea, a apărut ori a fost celebrată la New York înainte de a ajunge la unul dintre teatrele sale, lăsând impresia că sarcina principală a unui director artistic este cumpărăturile de pe Broadway.

Și chiar această parte a muncii a devenit din ce în ce mai dificilă, deoarece Broadway-ul de top arată că la un moment dat ar fi venit automat la Ahmanson în turneele lor naționale, iar acum sunt deranjați de producători puternici la Hollywood Pantages. Am fost recunoscător să văd „Fun Home” și „Draga Evan Hansen” la Ahmanson, unde aparțineau unui public cu gust dramatic cultivat. Dar când Pantages au anunțat că „The Band’s Visit”, o dramă muzicală câștigătoare a Tony, cu delicatesă luminată de lună, va fi la Teatrul Dolby în cadrul sezonului 2019-20 Broadway la Hollywood, se părea că un Rubicon ar fi fost traversat.

În prezent există un show individual la Ahmanson, „Istoria latină pentru idioti” a lui John Leguizamo, cu un altul care urmează să apară în curând, „The New One” al lui Mike Birbiglia. După jocul intens al „The Play That Goes Wrong” din această vară, o producție de turneu național care se afla practic pe lista obligatorie a nimănui, este ușor de înțeles de ce iubitorii de muzică care și-au păstrat loial abonamentele la Ahmanson de zeci de ani au trimis prin e-mail să spun că în sfârșit sunt pregătiți să-i lase să plece.

Hits-urile de la Ahmanson sunt esența financiară a CTG, așa că, probabil, concurența crescută pentru spectacole de turneu explică de ce Douglas este adesea întunecat și Taper este prea regulat. Nu subestim provocările din mediul actual, dar Ritchie a agravat dificultățile prin faptul că nu a consolidat punctele slabe ale propriei conduceri.

Oportunitățile au fost ratate. Dramaturgia americană este în plină renaștere, dar despre CTG știați puțin despre asta. Cu câteva excepții notabile („Tigrul Bengal la grădina zoologică din Bagdad” a lui Rajiv Joseph, „Dana H.” a lui Lucas Hnath), cel mai bun din această lucrare nu a avut premiera la Taper sau Douglas.

Mai inexplicabil, mulți dintre dramaturgii care zguduie teatrul american nu par să fie pe radarul lui Ritchie. Și pentru cei care sunt, invitațiile întârzie frecvent și nu pentru munca lor cea mai bună. Annie Baker, o figură de frunte în această nouă generație de dramaturgi, va avea în sfârșit debutul Taper în primăvară, dar nu pentru „The Flick” (care nu a fost încă produsă în Los Angeles), câștigătoare a Premiului Pulitzer, ci pentru „The Antipodes ”, o piesă de tranziție care nu este o introducere ideală la acest talent care deschide calea.

Brad Fleischer, stânga, Kevin Tighe și Glenn Davis în „Bengal Tiger at the Baghdad Zoo” de la Rajiv Joseph la Teatrul Kirk Douglas din Culver City în mai 2009. A fost „electric”.

Încântat de faptul că „Ce înseamnă pentru mine Constituția” de la Heidi Schreck va veni la Taper în ianuarie, nu pot să nu simt o invidie că Berkeley Repertory Theatre a avut previziunea de a produce lucrarea înainte de a ajunge la Broadway. (Rep. Berkeley a avut, de asemenea, viziunea de a co-produce împreună cu Soho Rep. Jackie Sibblies, „Fairview”, câștigător al Premiului Pulitzer al lui Drury, o altă piesă care încă așteaptă prim-planul din LA.) Dezavantajul acestei întârzieri este că Schreck nu o va repeta de neuitat. performanța ei în calitate de campioană a dezbaterilor din liceu, care, în tinerețe, se confruntă direct cu problemele constituționale spinoase despre autonomia feminină pe care a susținut-o cândva academic. Poate că această versiune revizuită va fi ceva special, dar pe hârtie sună comparabil cu o emisiune a lui John Leguizamo trimisă pe drum fără Leguizamo.

Există exemple contrare care demonstrează disponibilitatea lui Ritchie de a intra în joc devreme, precum „Linda Vista” a lui Tracy Letts (care s-a deschis recent pe Broadway) și „A Parallelogram” și „Clybourne Park” de Bruce Norris. Însă deschiderea către lucrările spinoase ale autorilor de sex masculin albi de la Taper ridică întrebări cu privire la linia de despărțire dintre mainstream și marginal.

De nenumărate ori cu scriitori mai puțin stabiliți, au fost alese piese de teatru mai sigure în locul unei lucrări mai inovatoare. „Adecvat” al lui Branden Jacobs-Jenkins a fost considerat mai potrivit pentru Taper decât „An Octoroon”, care este considerat pe scară largă ca una dintre cele mai importante drame americane din ultimul deceniu. „The Brother/Sister Plays” de Tarell Alvin McCraney a anunțat intrarea unei noi voci lirice pe care Hollywood-ul o va descoperi prin filmul premiat cu Oscar „Moonlight”. Dar Teatrul Fountain a fost cel care a produs în mod expert două dintre cele trei piese din trilogia „Frate/Sora”. The Taper a optat pentru „Capul de treceri” al lui McCraney, o piesă care s-a remarcat în principal pentru performanța puternică a Phylicia Rashad.

„Un Octoroon” ar fi fost ideal pentru Douglas, dacă Douglas s-ar fi stabilit ca loc de desfășurare a experimentului. „Straight White Men” al tânărului Jean Lee a fost produs la Douglas după rularea sa la Teatrul Public din New York, dar înainte de a ajunge la Broadway. Și au existat câteva premiere memorabile („The Nether”, Jennifer Haley îmi vine în minte), dar nu suficient pentru a-și tăia o identitate distinctă.

În această toamnă, singura producție de la Douglas este „On Beckett” a lui Bill Irwin, care a venit de la Irish Repertory Theatre din New York. Banii sunt, fără îndoială, o problemă de bază pentru iubitul copil vitreg al CTG. Dar atunci de ce să nu aduci pe cineva care ar fi inspirat să insufle viață în programare, să construiască publicul și să participe la munca de strângere de fond necesară pentru a plăti pentru toate acestea?

Când talentul și calendarul sunt reunite la CTG, rezultatele au fost de clasă mondială. Producția Taper a „Vanya și Sonia și Masha și Spike”, premiată de Tony Durang, a lui Christopher Durang a fost superioară montării din New York, grație direcției impecabile a comicii a lui David Hyde Pierce și distribuției lui Christine Ebersole în rolul Masha pe care l-a originat Sigourney Weaver. Am fost recunoscător să-l văd pe Sterling K. Brown repetându-și performanța în „Tatăl vine acasă din războaie (părțile 1, 2 și 3)” de la Taper, în Suzan-Lori Parks.

Dar producțiile nu au fost întotdeauna la înălțimea scrisului. Gestionarea greșită a „Apei cu lingura”, câștigată de Premiul Pulitzer, de Quiara Alegría Hudes, este probabil cel mai zdrobitor exemplu. Dar chiar și puneri în scenă non-dezastruoase, cum ar fi producția lui Lisa Peterson a „Sweat”, câștigătoare a Premiului Pulitzer, de Lynn Nottage, poate să copleșească, lăsând publicul să se întrebe despre ce e vorba.

CTG ar trebui să facă parte din conversația națională de dramaturg, atât ca incubator, cât și ca o vitrină râvnită a scrierii originale. Dezvoltarea unor piese de teatru noi consumă mult timp, este costisitoare și depinde de cunoștințele dramaturgice. Cel mai recent Taper botch, un set de acte de Ethan Coen intitulat în mod inadecvat „A Play Is a Poem”, m-a întrebat încă o dată: Cine dincolo de Ritchie se gândește la magazinul literar?

Când mă gândesc la piesele fără sens ale lui David Mamet, CTG ne-a lovit într-un moment în care atât de mulți scriitori străluciți nu au găsit încă L.A. etapa pe care o merită, sunt depășit de un sentiment de risipă. Ce determină procesul decizional? Relații convenabile? Temeri bugetare? Lipsa imaginației?

„Piesele noi sunt foarte greu de vândut” este un argument pe care l-am auzit. Dar această profeție se împlinește de sine pentru publicul care a fost instruit să se comporte ca consumatori. Recompensele jocului - iluminarea emoțională, provocarea intelectuală, inițierea într-o mișcare artistică - sunt diferite de recompensele mesei rafinate. Marketingul este încă cheie, dar construirea comunității trebuie să fie obiectivul.

Dacă dramaturgii și regizorii ar fi introduși în contextele lor artistice, modul în care pictorii, sculptorii și fotografii sunt prezentați la LACMA sau la Muzeul Hammer, probabil CTG ar fi mai eficient în atingerea unui demografic mai larg. Succesul, evident, nu este garantat, dar Los Angeles susține cu tărie munca inovatoare în muzica clasică și artele vizuale, așa că de ce ar trebui să se presupună că publicul teatral este atât de ferm? Nu toată lumea urmărește consumul pasiv.

Artiștii locali mă plâng că Ritchie este mai puțin înclinat să se uite în propria sa curte decât să apeleze la talentul din New York. Teatrul este atât local, cât și nelocal și trebuie să se obțină un echilibru adecvat. În spatele scenei se întâmplă mai multe în ceea ce privește comisioanele și atelierele decât este evident în orice broșură a sezonului. Dar dacă strategia de gestionare a riscurilor pare să se ridice între prudență și tragere de porcărie, este simptomatic al unei neglijări cronice în dezvoltarea audienței. În timp ce Freud a mărturisit o confuzie cu privire la ceea ce își doresc femeile, CTG nu pare să-și dea seama ce anume L.A. spectatorii de teatru tânjesc să vadă.

De ce organizația emblematică de teatru a orașului care se numește capitala divertismentului din lume nu își poate extinde orizonturile culturale? Cu siguranță are sens ca CTG să profite în continuare de enormul talent de dramaturg care a migrat spre vest în timpul acestei explozii în televiziune.

"Los Angeles susține cu tărie munca inovatoare în muzica clasică și artele vizuale, așa că de ce ar trebui să se presupună că publicul teatral este atât de ferm?"

Dar mă gândesc la conversațiile din ultimul an pe care le-am avut cu lideri artistici, care și-au exprimat dorința comună ca spectacolul interdisciplinar - lucrare care se încadrează între genurile de dans, operă, teatru și instalație vizuală - să fie mai deplin apreciat ca stil de casă al orașului. Nu, nu vorbeau despre importul anual al lui Matthew Bourne. Vorbeau despre viitorul spectacolului contemporan, văzut în producția lui Yuval Sharon a „Atlasului” și „opera junkyard” din Four Larks, și erau încântați de îmbrățișarea nebună a „A 24-Decade History of Popular Music” de Taylor Mac. la Teatrul de la Ace Hotel.

Ciudat că acest lucru trebuie spus în 2019, dar formula standard a dramaturgului-regizor al teatrului regional nu este totul. Lucrarea care se încadrează în diferitele puncte forte ale scenei culturale din California de Sud ar trebui să fie mai evidentă în programarea unei organizații teatrale care are o amprentă atât de mare la Music Center.

Când omagiul multimedia al lui Lars Jan către „Albumul alb” al lui Joan Didion a fost prezentat de CAP UCLA la Freud Playhouse în aprilie, am luat act de faptul că CTG face parte din echipa producătoare. În recenzia mea, am sugerat ca Taper sau Douglas să ridice piesa pentru o perioadă mai lungă, dar în principal am vrut să-l încurajez pe Ritchie să ia în considerare posibilitatea că poate există mai multă viață în alternativele de nișă decât în ​​mediocritatea mediană.

O regândire radicală a viziunii artistice necesită o deschidere către posibilitățile noilor structuri de management. CTG nu este înfloritor ca regatul unui singur domn artistic, asistat de o curte de asociați și răspunzător în cele din urmă în fața unui consiliu de administrație. Diversitatea nu se măsoară numai în funcție de câte piese sunt produse de scriitori de culori și femei, ci de cine are autoritatea de a aprinde ideile verzi și de a le păstra de la laborator la scenă. Extinderea încrederii creierului de conducere poate deschide noi frontiere artistice. Colaborarea CTG cu East West Players la piesa muzicală „Soft Power” a lui David Henry Hwang-Jeanine Tesori ar fi putut avea o naștere stâncoasă la Ahmanson, dar ambiția și îndrăzneala au fost revigorante. Ceva nou a fost moștenit în existență.